Ce jeudi, il fait un temps splendide et Jacqueline a prévu une randonnée que je n'ai jamais faite, une boucle en vallée de Chevreuse au départ de Saint-Rémy-lès-Chevreuse avec passage par le château de la Madeleine.

Nous voilà très vite en pleine nature sur ce petit chemin qui longe l'Yvette et qui borde de l'autre côté la Résidence Valchevreuse dont les propriétaires se sont isolés des "passants qui passent" par d'épaisses haies (photo Google).

Je n'ai pas reconnu ces arbrisseaux qui longent la petite rivière...

Jacqueline se repère.

Nous arrivons vite au centre ville de Chevreuse.

Nous verrons l'église plus tard car une petite grimpette nous attend...

 Nous voici maintenant sur le "chemin Jean Racine". Un panneau explicatif nous apprend l'origine du nom de ce chemin forestier.

Lié par sa famille à l'abbaye, Racine a été un disciple de Port-Royal-des-Champs.

Orphelin, il est élevé aux "Petites-Ecoles des Granges" tenues par les "Solitaires". Ses études terminées, il revient à Port-Royal en 1661. Il est alors chargé de superviser les travaux du château de la Madeleine par son cousin Nicolas Vitart, intendant du duc de Luynes à qui appartient l'édifice. Ainsi se rend-il régulièrement de l'abbaye au château en empruntant un chemin qui est baptisé de son nom en 1939, à l'occasion du tricentenaire de sa naissance par le Touring Club de France.

Inspiré par les paysages traversés le long de ce parcours qui relie Chevreuse à Magny-les-Hameaux en passant par Saint-Lambert et Milon-la-Chapelle, il nous a laissé des Odes écrites en 1655.

Que ces vieux royaumes des ombres,
Ces grands bois, ces noires forêts,
Cachent de charmes et d’attraits
Dessous leurs feuillages si sombres !
C’est dans ce tranquille séjour 5
Que l’on voit régner nuit et jour
La paix et le silence ;
C’est là qu’on dit que nos aïeux,
Au siècle d’innocence,
Goûtaient les délices des cieux.

Malgré une polémique qui l'éloigne de ses maîtres un temps (166-1677), le poète reste fidèle au monastère. Devenu historiographe du roi, il se fait défenseur des religieux, ce qui lui vaut sa disgrâce. Il s'investit alors dans la vie de l'abbaye et, en "Ami du dehors", y vient régulièrement en retraite. A la fin de sa vie, il écrit un abrégé de l'histoire de Port-Royal et un mémoire pour les religieuses de Port-Royal. Il demande même à être enterré à côté de ses anciens maîtres.

De place en place, une borne porte une citation de Racine comme celle-ci :

"Je vois les tilleuls et les chênes, ces géants de cent bras ornés." - 1656

ou cette autre :

"Là, l'on voit la biche légère, là le chevreuil champêtre et doux" - 1656 

 

Vous êtes dans un espace naturel remarquable, nous dit ce panneau. La forêt de la Madeleine telle que nous la connaissons date du XVIIe siècle ; à cette époque les grandes allées forestières étaient dessinée pour les chasses royales. On dit que les chênes auraient servi pour la réalisation de la charpente du château de Versailles sous Louis XIV.

C'est le Conseil Général des Yvelines, qui en a fait l'acquisition en 1973, qui en assure désormais la gestion. 

De jolies couleurs pour cet automne...

 

Réunion au sommet sur un tapis de feuilles : nous sommes seize aujourd'hui à participer à la balade.

Jacqueline, Huguette, Lisette, Annie B et Annie P., Marie-Christine, Nelly, Madeleine...

Djida, Marie-Cécile, Anne, Michèle, Marie-Claude, Christian (tiens, un homme !) et Jacqueline.

 

En s'arrêtant de temps en temps, quitte à courir après pour rattraper le groupe, on peut voir des choses intéressantes...

Jolie harmonie de couleurs

Nous ne sommes qu'à une heure de Paris...

Arrivée au château de la Madeleine

Une plaque a été apposée sur le mur du château.

"Que je me plais sur ces montagnes
Qui s'élevant jusques aux cieux,
D'un diadème gracieux,
Couronnent ces belles campagnes."

Jean Racine - 1661

Un premier château en bois aurait été édifié vers 1075 par Guy Ier de Chevreuse sur l'éperon qui surplombe la vallée de l'Yvette, contrôlant ainsi la route Paris-Chartres.

Au début du XIIe siècle, l'enceinte est formée d'un talus en terre surmonté d'une palissade. Elle protège plusieurs bâtiments dont une aula où le seigneur recevait et rendait la justice et une chapelle dédiée à Madeleine, qui donna son nom au château. La basse-cour rassemble les bâtiments utilitaires et les habitations des artisans et des domestiques qui dépendent du seigneur. Le donjon en pierre n'est bâti qu'à la fin du XIIe siècle : vaste logis - raccourci au XIVe siècle -, il est l'outil défensif de la seigneurie.

Pendant cette période, l'enceinte est remplacée par une muraille en pierre qui sépare la haute-cour du reste du site. Rehaussée et dotée de mâchicoulis au XIIIe siècle, elle s'intègre, avec ses tours circulaires, au rempart qui entoure le bourg à la fin du XIVe siècle. Au XVe siècle, des tours carrées sont ajoutées au sud et le châtelet d'entrée est reconstruit : il présentait deux tours circulaires au préalable.

La forteresse actuelle a conservé l'allure générale du XVe siècle : aula et chapelle en moins, basse-cour privée et construction en plus d'un bâtiment moderne dans la cour en 1985, la Maison du Parc.

L'intérieur de la cour

Depuis la terrasse du château, on jouit d'une vue imprenable sur la vallée.

Nous redescendons sur le village de Chevreuse en contournant le château.

L'arrivée dans Chevreuse

Chevreuse doit l'origine de son nom aux chèvres qui peuplaient ses campagnes. Du "Caprosia" d'origine latine au "Chevreuse" contemporain, en passant par "Cavrosia", "Cabrosia", "Cheureuse", c'est plus de mille ans d'histoire qui ont forgé la cité.

À l'origine, les armes de la ville comportaient d'ailleurs quatre chèvres dressées qui seront remplacées par quatre lions après les croisades où s'illustrèrent plus de deux milles croisés de la châtellenie.

En vue de l'église Saint-Martin 

L'église est très austère de l'extérieur.

De style composite, l'église se révèle un édifice remarquable dont l'origine peut être datée du XIe siècle. Sa construction massive, voire guerrière, de grès et de meulière, s'accorde parfaitement avec le château de la Madeleine qui la surplombe.

Le clocher, initialement pyramidal, est remplacé au cours du XIXe siècle par une flèche élancée. 

A l'intérieur, son élévation surprend tout comme la forte inclinaison de l'allée centrale, symbole du Christ en croix.

Remaniée au cours des siècles et privée de ses stucs, elle apparaît désormais dans un élégant dépouillement et renferme de nombreuses œuvres :

Dans le chœur, des toiles marouflées du baron de Coubertin (1858-1860) figurent des saints traditionnellement vénérés dans la région : Saint-Gilles, Saint-Lubin, Sainte-Madeleine et Saint-Martin (toiles restaurées en 2013 par la municipalité).

Des verrières classées XVIe ou XVIIe siècle

Crucifixion

 

Un gisant "Christ au tombeau" du XVIIe siècle

Une Vierge à l'Enfant de 1990 en bois de tilleul des ateliers d'arts religieux d'Oberammergau en Bavière

 et une autre Vierge à l'Enfant également moderne que j'ai trouvée très belle. On aperçoit sur la photo le chemin de croix en céramique

Le Prieuré Saint-Saturnin, en face de l'église est devenu le Centre d'Art Contemporain de la petite ville : on en voit ici l'entrée.

Saint-Saturnin : sculpture de Nicolas Marret (2011)

Toujours le Prieuré...

L'église Saint-Saturnin et Saint-Eloy est datée des environs de 980, ce qui en fait le monument le plus ancien de la ville. 

En 1064, Guy Ier le Rouge fait donation des deux églises de Chevreuse à l'abbaye de Bourgueil en vallée "pour la rémission de ses péchés et pour le remède des âmes de son père et de sa mère". Cette donation est confirmée par ses descendants (bulles papales de 1105 et 1208).

Au XVe siècle, son état de délabrement lié à la guerre de Cent ans, oblige le prieur à réduire l'édifice aux deux travées toujours visibles, dans lesquelles il établit une chapelle. D'une architecture de transition, ce prieuré était réputé pour la beauté et l'élégance de sa construction.

A la suite d'échanges voulus par Louis XIV, en vue de l'agrandissement du parc de Versailles, Saint-Saturnin quitte les revenus des abbés de Bourgueil pour devenir, en 1695, propriété des Dames de Saint-Cyr, une fondation de Madame de Maintenon.

Il est vendu à la Révolution à un marchand de vin. Cette activité y perdure jusqu'au début du XXe siècle. Entre les deux guerres son porche roman est démonté et vendu pour une destination restée inconnue.

En 1901, le peintre Jean Vénitien y installe son atelier, sauvant ainsi d'une dislocation complète cet édifice emblématique de Chevreuse.

Les maisons en meulière sont légion dans cette vallée.

Pour rejoindre Saint-Rémy-lès-Chevreuse, nous prenons le chemin des petits ponts qui longe le canal de l'Yvette.

Comme son nom l'indique, ce chemin donne accès par des petits ponts enjambant le canal à l'arrière des propriétés qui le longent.

Des ouvertures donnent sur la rivière : à quoi servaient-elles... ? Sans doute au tannage des peaux.

Trouée sur le château

Le canal est habité...

Quand les portails sont ajourés, on peut apercevoir de très belles demeures...

Et encore le château !

Cet endroit servait-il autrefois au tannage des peaux ?

Ces anciens séchoirs à peaux à ventelles orientables dont le bâtiment date du XVIIe siècle sert actuellement de salle d'exposition.

 

Fin de la balade

Merci beaucoup Jacqueline pour ce guidage qui nous a permis de faire cette très jolie balade.

Hier samedi, nous avons fait une visite avec Générations 13, celle de la Galerie dorée de la Banque de France située tout à côté de la place des Victoires. Anne-Marie, qui encadre ces "Petites promenades dans Paris", réserve souvent pour l'hiver auprès de l'association "Paris art et histoire" des conférences à l'abri du froid.

Nous retrouvons sur place pour cette conférence Michèle Mazure qui commence par nous parler de la place des Victoires qui est, avec la place des Vosges (anciennement nommée place royale), la place Dauphine, la place Vendôme et la place de la Concorde, l'une des cinq places royales de Paris.

La place a été édifiée au XVIIe siècle à l'initiative du maréchal de La Feuillade et de la ville de Paris sur les plans de Jules Hardouin-Mansart. Pas tout à fait circulaire mais presque, elle rend hommage aux victoires de Louis XIV.

 

Nous sommes une petite vingtaine à écouter la guide qui, munie de documentations imagées, tente de nous faire revivre son passé prestigieux.

Elle nous montre au centre de la place la statue équestre de Louis XIV par Joseph Bosio (inaugurée le 25 août 1822) et restaurée en 2005.

Sur cette photo internet, on voit que le roi, habillé en empereur romain, est coiffé d'une couronne de lauriers. 

La statue originelle était une réalisation du sculpteur Martin Desjardins et représentait Louis XIV en pied. Le roi était figuré en costume de sacre, piétinant un cerbère, représentant la Quadruple-Alliance vaincue. Son socle comportait quatre personnages en bronze, représentant allégoriquement chacun une nation vaincue par Louis XIV et un sentiment différent (la Résignation, l’Abattement, la Colère et l’Espérance), des bas-reliefs et des inscriptions dithyrambiques sur la gloire militaire du roi après la signature du traité de Nimègue. Ces éléments de décoration sont aujourd'hui exposés dans la cour Puget du musée du Louvre. L'inauguration a eu lieu le 28 mars 1686 ; l'ensemble, piédestal compris, faisait alors 12 m de haut.

Quatre fanaux, qui étaient situés aux quatre « coins » de la place, y brûlaient en permanence pour éclairer la statue. En 1699, les fanaux ont été éteints sur ordre du roi qui trouvait qu'ils étaient trop dispendieux et en 1718 l'ensemble fut démonté.

La place des Victoires en 1689

En 1792, la statue de Louis XIV est abattue par les révolutionnaires. Elle est fondue pour produire des canons et remplacée par une pyramide en bois portant les noms des citoyens morts lors de la journée du 10 août 1792. Selon la légende, Napoléon Ier donne le bois de la pyramide à un corps de garde, lequel l'aurait utilisé pour se chauffer.

La statue en bronze du général Desaix (mort au combat) fut commandée à Claude Dejoux pour érection au centre de la place, sur un piédestal mentionnant les batailles remportées par le général, dû à l'architecte Jean-Arnaud Raymond.

L'ordonnancement des façades de la place était strictement encadré : des arcades pleines au rez-de-chaussée (à l'intérieur desquelles se sont installées des boutiques plus tard), un étage noble particulièrement haut de plafond, un deuxième étage relié au premier par des pilastres à chapiteaux ioniques, puis un troisième mansardé dont l'amortissement des chiens-assis est alternativement semi-circulaire et horizontal : un détail que je n'avais pas vu en prenant la photo).

Toutes ces façades correspondent à d'anciens hôtels particuliers.

Au dessus des arcades se trouvent des mascarons presque tous différents les uns des autres. De jolis balcons de fer forgé protègent les ouvertures des réserves des magasins actuels.

Certains ont malheureusement subi l'outrage du temps...

Michèle Mazure nous explique ensuite l'origine des bâtiments actuels de la Banque de France à l'aide de ce document où l'on voit que l'enceinte de Charles V cerne l'ancien Hôtel de La Vrillière sur sa droite : cette maison fut en effet construite vers 1640 par François Mansart pour Louis Phélipeaux de la Vrillière qui était secrétaire d'Etat (l'équivalent de notre premier ministre actuel) et grand amateur d'art italien.

En 1713, l'Hôtel de La Vrillière est acheté par Louis Alexandre de Bourbon, comte de Toulouse et fils naturel de Louis XIV et de Madame de Montespan. Elle revint ensuite à son fils, le duc de Penthièvre.

Ci-dessous l'emplacement, à droite, de l'Hôtel de Toulouse sur un plan de 1737

Une vue sur l'entrée de l'Hôtel de Toulouse (actuelle Banque de France) depuis la place des Victoires.

Nous contournons l'immense quadrilatère de la Banque de France pour entrer dans ce sanctuaire par une entrée secondaire faisant face à la Galerie Vivienne.

Après être passés par les portiques de sécurité et présenté nos cartes d'identité - ne rentre pas là qui veut -, nous voici arrivés au premier étage dans cette petite antichambre de la Galerie dorée où se trouve une maquette de l'Hôtel de Toulouse et un portrait en pied du comte de Toulouse.

 La guide nous explique que ce n'est pas tant le tableau lui-même qui est intéressant...

mais plutôt son cadre qui porte tous les insignes de la Royauté comme la couronne des fleurs de lys, privilège exclusif des princes du sang, les colliers du Saint-Esprit ainsi que de Saint-Michel et de la toison d'or mais aussi le bâton de bâtardise que l'on voit au centre du médaillon entouré des trois fleurs de lys représentant la Trinité.

Notre guide nous montre sur la maquette l'endroit où nous nous trouvons.

 Tout le monde fait le tour de la maquette qui représente, en petit, pas moins de 80.000 m² de surface au sol !

Nous voici prêts à visiter le clou de l'Hôtel, la Galerie dorée.

Elle mesure 40 mètres de long pour 6,5 m de large et 8 m de haut (en comparaison, la galerie des glaces de Versailles mesure 80 m de long et 10 m de large).

Ses dorures, ses tableaux, sa boiserie et son impressionnante fresque datant du XVIIème siècle font de cette galerie l’une des plus somptueuses de France et la pièce emblématique de l’hôtel de Toulouse.

Vue de la galerie côté porte d'entrée

Boiseries surplombant la porte d'entrée

Les sculptures rappellent les passions de Louis Alexandre de Bourbon, la mer et la chasse.

Adorables petits puttis...

 Aux quatre coins de la galerie sont représentés les quatre continents (Amérique, Afrique, Asie et Europe) sous la forme de statues de femmes telles que celle-ci.

Sous ces statues, de jolie médaillons dorés : ici, il s'agit de représenter l'Europe je pense avec ce cheval (mais je n'en suis pas tout-à-fait sûre...).

Tout comme celui-ci qui représente un dromadaire : l'Afrique ou l'Asie... ?

De grands miroirs permettent de renvoyer l'image des peintures de la voûte.

 

Par les fenêtres, on peut voir la deuxième cour intérieure où a été organisé un jardin.

Notre guide nous parle ensuite des fresques de la voûte qui sont dues à François Perrier, artiste du début du XVIIème siècle Elles ont été peintes entre 1646 et 1649). Ce sont essentiellement des sujets mythologiques.

Au centre, Apollon, dieu de lumière, est sur son char. Devant lui, le Temps, personnage vieux, barbu et ailé tient sa faux.

Le char d'Apollon 

Les femmes qui versent de l’eau symbolisent la Rosée du matin qui chassera la nuit.

 

La planète Vénus au-dessus des Gémeaux, Castor et Pollux

 

La Lune sous les traits de Diane avec une biche

 La voûte est ordonnée autour des quatre éléments représentés dans quatre tableaux aux quatre coins de la galerie. 

1 - Le Feu : Jupiter, armé de son foudre, vient rendre visite à Sémélé, fille du roi de Thèbes. La jeune femme périt brûlée à la vue du dieu. Elle attend un enfant, que Zeus retira du ventre de sa mère, et qu’il mit dans sa cuisse : Dionysos, né de la cuisse de Jupiter.

Jupiter et Sémélé (photo Monick Nicmo)

2 - La Terre : Enlèvement de Proserpine par Pluton, dieu des Ténèbres. Il est accompagné de son char au cheval noir et tient sa fourche. Il emporte la jeune femme dans les profondeurs de la terre; elle y passera 6 mois, les 6 autres reviendra sur terre auprès de sa mère Déméter ou Cérès. Les 6 premiers mois correspondent à l’Automne et l’Hiver, tandis que les 6 autres sont ceux du Printemps et l’Eté.

Pluton et Proserpine (photo Monick Nicmo)

3 - L’Eau : Neptune et Amphitrite. Le dieu est sur son char mené par des chevaux aux pieds palmés. Amphitrite est une néréide dont il tombe amoureux et qu’il épouse.

Neptune et Amphitrite (photo Monick Nicmo)

4 - L’Air : Junon avec son paon. Ici, elle prie Eole, dieu des vents, de déchaîner les tempêtes pour empêcher la victoire des Troyens. Ceci étant après le choix de Pâris, jeune prince troyen qui choisit Hélène, princesse grecque comme la plus belle.

Eole et Junon (photo Monick Nicmo)

A l'extrémité de la galerie, une cheminée supporte un buste de Jules Hardouin-Mansart. Le grand miroir placé derrière ainsi que le miroir latéral faisant pendant à la fenêtre reflètent le plafond de la galerie.

Au-dessus du miroir, Leucothée, déesse protectrice des navigateurs guide une proue de bateau : un rappel de l'attachement du comte de Toulouse à la marine. 

De chaque côté, deux groupes de puttis

Celui de gauche tient une ancre de marine qui dissimule le bâton de bâtardise du blason du comte de Toulouse...

La cheminée est décorée de deux jolis chenets représentant des lions et d'une plaque de cheminée d'époque représentant les insignes de la royauté avec la couronne des lys, le blason et tout le reste comme précédemment.

Les dix tableaux présents dans la Galerie dorée ne sont pas des originaux. Les originaux, achetés par Louis Phélypeaux de la Vrillière, ont été saisis à la Révolution, et se trouvent désormais au Louvre et dans d’autres musées nationaux. Ils représentent, à l’exception de l’Enlèvement d’Hélène de Guido Reni, des scènes tirées de l’histoire romaine.

Hersilie sépare Romulus et Tatius - Le Guerchin (1645) - musée du Louvre

Il s'agit ici de l'enlèvement des Sabines par les Romains.

Hersilie, une Sabine, devenue femme de Romulus, sépare son mari de Titus Tatius, roi des Sabins, alors qu'ils se disputent le règne de Rome. Hersilie représente à elle seule le groupe des Sabines, elle est au milieu, essayant de protéger son mari tout en protégeant aussi son peuple et ses origines.

Camille livre le maître d'école de Falérie à ses écoliers - Nicolas Poussin (1637)
musée du Louvre

Camille, vêtu d'un drapé rouge tend le bras en direction du maître d'école. Celui-ci est représenté dans une attitude de repli et de peur, pratiquement bestiale, entouré de ses élèves qui lui jettent des pierres.

L'empereur Auguste ferme les portes du temple de Janus - Maratta (musée de Lille)

Dans ce tableau, on voit Auguste faisant une offrande devant un brasero et désignant les portes du temple encore ouvertes (comme en temps de guerre). Se détachant dans le ciel, la personnification de la Paix apporte un rameau d’olivier. Un trophée d’armes évoquant la guerre gît au sol alors qu’un guerrier enlève le carquois rempli de flèches qui ne lui serviront plus. Tous les regards se dirigent vers l’entrée du temple : les portes peuvent être refermées, la paix a été établie !

L'enlèvement d'Hélène par Pâris - Guido Reni (1626-1629) - musée du Louvre

L'histoire de la guerre de Troie...

Sous des remparts, un homme cuirassé et casqué mène par le bras une jeune femme richement vêtue. Figures centrales de la composition, ils sont accompagnés par un cortège d'hommes et de femmes. Le contexte antique (architecture, casque, cuirasse) est associé à des costumes du XVIIe siècle pour illustrer l'enlèvement d'Hélène, alors jeune épouse de Ménélas, par le troyen Pâris. Cet épisode, à l'origine de la chute de Troie, a été peint par Guido Reni pour Philippe IV d'Espagne.

Les adieux de Caton d'Utique à son fils - Le Guerchin (1591 - 1666)
musée de Marseille

Caton battu par César à Thapsus s’enferme dans la ville d’Utique dans l’actuelle Tunisie, et décide de se donner la mort pour ne pas survivre à la fin de la République. Avant de mettre fin ses jours, il lit le Phédon, dialogue de Platon sur l’immortalité de l’âme, (on voit l’ouvrage posé sur la table). Suivant fidèlement le célèbre récit qu’en a fait Plutarque, la scène représente le moment où le fils de Caton accourt pour empêcher son père de commettre l’irréparable. Après avoir fait ses adieux, Caton se percera de son épée.

 

Faustulus confie Romulus et Remus à Laurentia - Pierre de Cortone (1643)
musée du Louvre

Découvrant les deux enfants sur les bords du Tibre, le berger Faustulus les recueille et les confie à son épouse Laurentia.

Auguste et Sibylle - Pierre de Cortone (1660 - 1665) - musée du Louvre

 Auguste, grâce à sa pacification du monde, doit être déifié suite à décision du sénat romain. Il se rend sur le Capitole accompagné de la Sibylle de Tibur, prêtresse d'Apollon ayant don de prophétie. Celle-ci lui prédit l'avènement d'un enfant qui surpassera les dieux romains ; c'est alors qu'apparaît dans les cieux une vision de Marie tenant Jésus. Auguste s'agenouille alors, et renonce à se faire déifier. Ce tableau représente les deux pouvoirs, le spirituel, en haut, véritable et sans apparat, domine le pouvoir temporel, cantonné au registre inférieur malgré son faste.

Coriolan supplié par sa mère - Le Guerchin (1640) - musée de Caen

L’histoire du général romain Coriolan qui accueille sa mère Volumnie et son épouse Véturie, venues le supplier d’épargner Rome, est un sujet à la mode au début du XVIIe siècle.

César remet Cléopâtre sur le trône d'Egypte - Pierre de Cortone (vers 1637)
musée du Louvre

Dans le tableau de Pierre de Cortone, il nous est donné d’assister à la restitution du trône d’Egypte à Cléopâtre par son amant et allié Jules César, au lendemain de la mort du roi Ptolémée XIII, comme l’indiquent le sceptre et la couronne que le Romain montre à l’Egyptienne. Cette prise de pouvoir se fait au détriment de la sœur de Cléopâtre, Arsinoé IV, qui est contrainte de rejoindre la coulisse, sa silhouette étant déjà enveloppée par l’ombre. Les deux protagonistes principaux apparaissent au contraire en pleine lumière, revêtus de riches atours au coloris aussi raffiné que brillant.

La mort de Cléopâtre - Turchi (1640) - musée du Louvre

Tandis que Marc-Antoine (ici drapé de bleu, glaive à portée de main) agonise, Cléopâtre, vêtue d'une robe pourpre et or et entourée de ses servantes, tient dans sa main le serpent qui l'a tuée.

A la base des tableaux se trouvent de très jolis médaillons dorés.

Ici, une sirène tient un poisson dans une main et une harpe dans l'autre...

Cet autre montre Neptune, armé de son trident, et chevauchant une sirène.

 Michèle Mazure nous montre l'échantillon de papier-peint qui recouvrait autrefois, pendant la période révolutionnaire les murs de la galerie. Ils ont ensuite été peints en vert puis, plus récemment lors de la dernière restauration, définitivement je pense, peints dans une couleur appelée "Blanc de Roi".

 

Elle nous fait aussi remarquer la grande qualité du mobilier de la galerie dont les assises ne comportent pas de feston. Ces sièges étaient conçus pour recevoir une parure d'hiver et une parure d'été...

La visite de la galerie terminée, nous continuons par la pièce qui sert de salle de réunion aux administrateurs de la Banque de France.

Ses murs sont revêtus de jolies tapisseries.

Un portrait de Louis Phélipeaux, marquis de la Vrillière, trône au-dessus de la cheminée dans le manteau duquel est incrustée une belle pendule.

Nous apprenons  par un employé (qui nous suit comme un petit chien...) que la Banque de France détient 2 436 tonnes d’or dans la Souterraine qui est située à 27 m sous terre. Cet or constitue les réserves de la France qui possède le quatrième stock national au monde derrière les États-Unis, l’Allemagne et l’Italie. Il est inscrit au bilan de la Banque de France.

Depuis les années 1970, l’or n’a plus de rôle monétaire. En revanche, il conserve une valeur importante mais fluctuante qui est déterminée par le marché. Pour avoir un ordre de grandeur, la valeur de cet or est un peu supérieure à 100 milliards d’euros, ce qui représente environ 5% du PIB et de la dette de la France.

Dans cette petite pièce qui fait suite à la salle de réunion, le drapeau français et celui de l'Europe font face aux photographies des précédents Gouverneurs de la Banque de France. 

L'actuel Gouverneur est François Villeroy de Galhau : après six ans de bons et loyaux services comme on dit, il a été renouvelé pour la même période.

Vous connaissez sûrement Jean-Claude Trichet qui fut Gouverneur de la Banque de France de 1993 à 2003 et qui enchaîna cette fonction avec celle Président de la Banque centrale européenne (jusqu'en 2011).

Un très bel escalier avant notre sortie

Pas mal non plus celui-ci (construit en 1781), situé dans le bâtiment situé en face servant au comité d'entreprise de la Banque de France : il est à double révolution (comme à Chambord ou à Blois), ce qui fait que les gens qui montent ne croisent jamais ceux qui descendent !

D'après mes renseignements, c'est Léonard de Vinci qui en serait l'inventeur.

Waooohhh...

L'immeuble construit en 1781 est longtemps resté, avec ses huit étages, le plus haut de Paris. Il abritait des tripots, des salles de jeu et était le lieu de rendez-vous des prostituées.

Une visite que je viens de refaire... et qui nous a tous, je crois, bien intéressés.

Merci à Michèle Mazure de l'avoir guidée aussi agréablement et merci à Anne-Marie de l'avoir réservée. Il parait qu'il faut s'y prendre au mois de mai pour l'année suivante tellement la Banque de France a de demandes !

Il faut dire en plus que cette visite est gratuite...

 

Cette nouvelle séance de l'atelier Histoire des Arts, animé par Lucie Pierre, est consacrée au scandale dans l'art. Nous étudierons des scandales liés à la religion, à la situation politique et aux mœurs.

Il y a scandale lorsque l'œuvre  est rejetée par l'opinion publique et/ou par un public averti. Il peut s'agir d'un langage plastique nouveau, d'une transgression des codes.

Scandales théologiques

Le jugement dernier, Michel Ange, Chapelle Sixtine 1536-1541

La nudité des corps, les allusions mythologiques à Apollon et Jupiter firent scandale. Après la mort de Michel-Ange, un de ses élèves fut chargé de recouvrir les sexes les plus visibles. Il y gagna le surnom de "Braghettone".

Le repas chez Levi, Véronèse,1573,Venise

En 1572, les religieux dominicains de l'église San Giovanni e Paolo à Venise commandent pour leur réfectoire une Cène destinée à remplacer un tableau précédent du Titien, brûlé en 1571 pendant la guerre contre les Turcs. Ils s’adressent alors à l’un des principaux « peintres d’église » de la ville, Véronèse. La seconde moitié du XVIème sicle est marquée par un regain de la censure suite aux tensions entre catholiques et réformés.

Véronèse installe le Christ et ses apôtres sous des arcades entourés de divers personnages vaquant à leurs occupations : un chien au premier plan, des hallebardiers, un nain, un bouffon et son perroquet, Pierre découpant l'agneau à la place de Jésus... Sommé de remplacer le chien par Marie-Madeleine, Véronèse refusa, ce qui lui valu d'être convoqué au tribunal de l'Inquisition. Il joua alors la naïveté, ce qui lui permit d'éviter une condamnation et sen sortit en remplaçant le titre "la Cène" par "le repas chez Levi".

La mort de la Vierge, Le Caravage 1601,musée du Louvre

Cette œuvre était destinée à la petite église Santa Maria della Scala. Elle fit scandale par son réalisme. Rien ou presque ne la distingue de n'importe quelle femme en train de mourir. On raconte que Le Caravage aurait fait poser une prostituée.

La toile resta peu de temps au mur de l'église et fut remplacée par un tableau de Saraceni sur le même thème mais plus traditionnel.

La Vierge corrigeant l'enfant Jésus devant trois témoins, Max Ernst, 1926, Cologne

Il s'agit là d'une œuvre sciemment blasphématoire... La signature du peintre se trouve dans l'auréole de l'enfant Jésus tombée à terre, l'artiste se trouvant ainsi "sanctifié", comble de l'ironie.

Piss Christ, Serrano, 1987

Il s'agit de la photo d'un petit crucifix en plastique trempé dans l'urine et le sang de l'auteur. Serrano veut à la fois dénoncer le commerce des petits objets religieux et rappeler les horreurs que le Christ a subies.

L'œuvre a suscité de nombreuses protestations et a été vandalisée par des groupes d'extrême droite lors d'une exposition en Avignon.

Nona ora, Cattelan, 1999

Le titre de l’œuvre donné par l’artiste renvoie au verset de la Bible au moment de la mort du Christ : « Mon Dieu, mon Dieu, pourquoi m’as-tu abandonné ? » (Évangile selon saint Marc) et la météorite représente les péchés du monde que Jean Paul II portait sur ses épaules, de la même façon que le Christ portait le péché du monde, selon l’artiste.

Cette œuvre a été exposée entre autres à Rennes et à Varsovie où elle a entraîné la démission de la directrice du musée.

Scandales socio-politiques

Le Radeau de la Méduse, Géricault,1819, musée du Louvre

Cette œuvre représente une tragédie de la marine coloniale française : le naufrage de la frégate Méduse échouée sur un banc de sable au large de la Mauritanie. Environ 150 personnes ont tenté de survivre sur un radeau de fortune. La scène se situe au moment où beaucoup sont déjà morts et où un homme africain fait signe à un bateau aperçu au loin. 

Le tableau, qui représente une scène de cannibalisme, suscite la controverse par son réalisme et tranche avec la quiétude et l'ordre de la peinture néo-classique.

De plus, le personnage qui a la vedette est un homme noir (il agite un tissu rouge en direction du bateau qui va les sauver) : l'œuvre apparaît comme une dénonciation du colonialisme.

Un enterrement à Ornans, Courbet,1849-50, musée d'Orsay

Courbet utilise le très grand format d'histoire pour peindre un événement banal, l'enterrement d'un simple habitant d'Ornans. C'est contraire aux codes de la peinture de son temps. Il peint avec réalisme les travers de la société, notamment de la bourgeoisie et du clergé. Au centre, on peut voir un petit autoportrait du peintre.

La petite danseuse,Degas,188, Washington National Gallery of Art

A cette époque, les petits rats de l'opéra étaient souvent issus d'un milieu très modeste. Leurs familles les y envoyaient afin qu'elles trouvent un "bon parti", ce qui se traduisait par des années de prostitution. On reprocha à Degas le mélange des matériaux : elle n'est ni en marbre, ni en bronze et porte de vrais vêtements et a de vrais cheveux. De plus elle n'est pas belle et toise le public d'un air effronté.

Monument à Balzac, Rodin, 1891-97

La société des gens de lettres, dont le président est alors son ami Emile Zola, demande en 1891 à  Rodin de faire une statue de Balzac, ce qu'il accepte immédiatement. Il se met alors à la recherche de différents documents (images, écrits) et décide de le représenter dans une robe de chambre de dominicain qui était sa tenue habituelle de travail. Rodin prend beaucoup de retard pour ce qu'il considère comme l'œuvre de sa vie et suscite l'impatience de ses commanditaires.

Il termine son œuvre en 1898 et l'expose au salon des artistes. Elle provoque immédiatement la controverse. "Jamais, on n’a eu l’idée d’extraire ainsi la cervelle d’un homme et de la lui appliquer sur la figure" déclare l'un de ses détracteurs. Or Rodin voulait justement montrer, outre le physique imposant de Balzac, la puissance de son œuvre. Nous sommes au moment du procès de Dreyfus. Le clivage de la société littéraire et artistique à propos de Rodin recoupe en grande partie celui lié à l'affaire Dreyfus. Finalement Rodin abandonne les acomptes déjà perçus et se retire à Meudon avec son plâtre. Il fallut attendre juillet 1939,donc bien après sa mort, pour voir le grand bronze de Rodin être érigé dans la capitale, au carrefour des boulevards Raspail et du Montparnasse.

Impression soleil levant, Monet, 1872, Musée Marmottan-Monet

En 1874, un groupe de peintres  qui combattent l'académisme et sont refusés aux Salons décident d'organiser leur propre exposition dans l'ancien atelier de Nadar. Parmi eux, Monet expose une "vue du Havre" qu'il renomme sur le conseil de ses amis "impression soleil levant".

Le tableau fait scandale : il est peint  depuis la fenêtre de la chambre d'hôtel, et non pas en atelier. Ses couleurs sont vives, on lui reproche des traits imprécis, en bref un travail bâclé. Un critique d'art, croyant faire un bon mot, titre "le salon des impressionnistes". L'impressionnisme est né. En fait, la toile tombera dans l'oubli et ce n'est que vers la fin des années 1950 qu'elle connaîtra la gloire et que sa valeur s'envolera.

Affiche promouvant le centenaire de la mort d'Egon Schiele,censurée en 2017

Egon Schiele est un peintre autrichien né en 1890 et mort en 1918. Les attitudes des hommes et femmes qu'il dessine et peint sont torturées... Ce sont souvent des nus, sans artifice, bruts... Ce qui lui vaut confiscation d'une centaine de toiles et la prison en 1912.

En 2017, on prépare le centenaire de sa mort par des expositions dans plusieurs villes d'Europe.

Des affiches dans le métro de Vienne sont censurées par des cache-sexes, ce qui ne fait que leur donner davantage de publicité.

La femme au chapeau,Matisse,1905,MAM San Francisco

C'est une des œuvres les plus connues de Matisse. Elle représente la femme du peintre.

Il s'agit d'un urinoir, acheté dans un magasin de bricolage et retourné. L'artiste, vraisemblablement Marcel Duchamp, le signe d'un certain Richard Mutt, que personne ne connaît (Mutt en anglais signifie incompétent, sale cabot...) La société des artistes indépendants de New-York refuse de l'exposer, considérant que ce n'est pas une œuvre. L'œuvre disparaît, puis ressurgit à plusieurs reprises.

Le concept du "ready made" est né: on détourne un objet préexistant de sa destination première.

Cloaca,Wim Delvoye,2000, Anvers puis divers lieux

L'artiste belge Wim Delvoye a construit une machine destinée à reproduire le processus de la digestion : les aliments entrent à un bout de la machine puis ressortent 27 heures après sous forme d'excréments. Cela lui a demandé plusieurs années d'un travail scientifique pour reproduire au mieux le système digestif humain, au point que des industriels l'ont approché pour tester leurs aliments. Ce qu'il a refusé, tout en ne refusant pas de faire du profit avec nombre de produits dérivés. L'idée est-elle que notre société moderne réduit l'homme à une machine ? Que le capitalisme ne produit que de la merde ?

Les colonnes de Buren,1986, Palais Royal

Le président François Mitterand passe commande à Daniel Buren d'une œuvre destinée à réaménager la cour d'honneur du Palais Royal qui servait alors de parking aux fonctionnaires du Conseil d'Etat. Une polémique éclate qui pose le problème de l'installation d'une œuvre contemporaine dans un site historique classé. Les opposants au projet accusent Buren et le ministre de la culture Jack Lang de défigurer le lieu, les pro-Buren les traitant de passéistes, ceci sur fond de clivage gauche-droite. Après les élections législatives, le nouveau ministre de la culture, François Léotard accepte finalement la fin des travaux en raison du droit moral de l'artiste.

Him, Cattelan, 2001

Le visiteur voit d'abord un petit garçon agenouillé en train de prier. Lorsqu'il fait le tour de la sculpture, il découvre le visage d'Hitler (qui n'est nommé que par "him", lui en allemand).

Le but est de montrer que le mal siège parfois où on ne l'attend pas, qu'il faut se méfier des apparences. Il cherche à choquer pour ne pas oublier.

L'œuvre a été exposée dans différents lieux dont le ghetto de Varsovie, où le message n'est pas toujours bien passé. La directrice du musée où l'œuvre a été exposée a été limogée.

Par contre, l'œuvre a été vendue 15 millions de dollars en 2016 par des spéculateurs...

Dirty corner, Anish Kapoor, 2011

L'œuvre, créée à Milan, a été exposée en 2015 au château de Versailles, où elle prit le surnom de "vagin de la Reine". Elle a été à plusieurs reprises vandalisée . Les royalistes considèrent Versailles comme un lieu intouchable et s'opposent à toute manifestation de l'art contemporain dans ses jardins, mais aussi et surtout parce que l'œuvre a été l'objet de tags fascistes et antisémites.

La conférence de Lucie Pierre était si riche qu'elle n'a pas eu le temps d'aborder le dernier thème, les scandales liés aux mœurs. Ce sera chose faite à la séance du 10 Décembre.

Merci Lucie !

 

Aujourd'hui jeudi, je délaisse la rando hors Paris pour la marche d'Anne Viala avec au programme les graffitis de Vitry-sur-Seine : cette banlieue est en effet célèbre pour son "street art", un véritable musée à ciel ouvert.

Ce mouvement artistique est né, au début des années 1970, aux Etats-Unis : après avoir souffert des affres de l'illégalité, il bénéficie aujourd'hui d'une reconnaissance assumée.

Anne nous a donné rendez-vous au terminus du T9 à la Porte de Choisy : quatorze participants ont répondu "présent".

Nous descendons à l'arrêt "Mairie de Vitry" et découvrons tout de suite, sous un brouillard épais, l'Hôtel de Ville formé de quatre octogones en brique recouverts d'une toiture de zinc et reliés entre eux par un bâtiment central. L'édifice, précédé d'un large parvis décoré de chrysanthèmes, saison oblige, relève d'une prouesse architecturale. Il a été construit il y a 35 ans pour répondre à l'accroissement de la population (on compte actuellement 95.000 habitants à Vitry).

Les couleurs de l'automne sont elles aussi au rendez-vous.

Anne nous emmène tout de suite derrière l'Hôtel de Ville près d'un terrain de basket voir la "Brokzone", un endroit que le graffeur français Brok (nom complet Brok 3HC TNB), a investi.

Brok est né en 1973. Il fonde un collectif d’artistes en 1994, le 3HC Crew et réalise ses premières toiles en 1996. Depuis le début des années 2000 il est appelé sur des commandes pour les institutions ou les particuliers. Il participe à de nombreuses expositions, fresques collectives ou installations, en France et à l’étranger.

Brok fait une différence entre l’art de la rue, le street art, et le graffiti ; deux mondes différents, comme le Rock est différent du Rap : lui se revendique du graffiti. 

 

 Un graff commun à Mone et Ceb - 2019

 L'auteur de ce graff sur carrelage assez onirique est Digo Cardoso.

Cette jolie petite fille allongée à la tête presque disproportionnée est l'œuvre d'Alice Pasquini, artiste romaine ayant vécu un temps à Vitry et qui signe tout simplement Alice. Les adhérents donnent l'échelle.

Née à Rome en 1980, c'est une artiste de rue, scénographe et illustratrice italienne. On peut la voir également dans plus de cent galeries ou musées du monde (Sydney, New York, Barcelone, Oslo, Moscou, Paris, Copenhague, Marrakech, Berlin, Saigon, Londres, et Rome).

J'ai beaucoup aimé ce graff de French Napp (2017).

Anne, qui conduit la balade guide en main, nous montre ici une graff de Christian Guémy, alias C215, pochoiriste de grand talent qui signe dans un cube.

Né à Bondy dans le 93, il installe en 2009 son atelier à Vitry et commence à donner de la couleur aux murs gris de la cité.

La Mairie de Vitry ne regarde pas les graffeurs avec un mauvais œil, au contraire elle les rencontre, les autorise à graffer assez librement quand elle ne fait pas réaliser des œuvres de commande.

C215 travaille sur tous types de supports métalliques : les portes, les boîtes aux lettres, les compteurs EDF, portes de garage etc. Il s'agirait ici de Nina, sa fille.

J'adore !

Parfois, les graffitis de C215 servent à cacher la misère des rues de la ville.

On appelle parfois C215 le graffeur impressionniste. L'avez-vous reconnu ?

Il s'agit de Renaud !

Cette œuvre est de Sêma Tavu.

Il s'agit d'une jeune artiste autodidacte d'origine chinoise née à Limoges en 1987.

Je n'ai pas compris la signature de Yec...

Les graffeurs sont nombreux à Vitry : chacun s'attribue un petit bout d'espace pour s'exprimer.

Originaire de Cork en Irlande, Finbarr Dac (ou Fin Dac) a vécu toute sa vie à Londres où il est aujourd’hui installé. Il est actif sur la scène du street-art depuis 2008. Autodidacte et anticonformiste, il laisse depuis exploser ses geishas modernes en noir et blanc ou en couleurs, souvent nues et tatouées, sur les murs du monde. Des œuvres réalisées au pochoir, associé à une technique de peinture spéciale qui laisse une sensation d’éclaboussure au niveau du regard. Fasciné par la beauté mystérieuse et mystique venue d’Asie, Finbarr Dac avoue qu’il aime les belles femmes. Il est soucieux du détail et possède un style très esthétique propre qui se distingue des autres artistes urbains.

"Geisha au corbeau" - 2011

"Portrait coloré d'une femme" par Eoin

Partis de l'Hôtel de ville, nous voici arrivés rue de la Glacière et..., c'est vrai qu'il ne fait pas chaud ce matin, le brouillard n'en finissant pas de se lever. 

C'est bien de l'art des rues dont il s'agit ici avec ce beau graff intitulé "Souffrance" dont la signature est cachée par un scooter. Serait-il d'Alice Pasquini ou de C215 ? Je ne me prononce pas.

Il ressemble un peu, je trouve, à une Marianne. 

Lomalin signe ce gigantesque dragon dont la queue se termine en une sorte d'église !

Des têtes grimaçantes par Choq

Choq est particulièrement doué pour dépeindre en caricature la ville et ses habitants. Son univers proche de la Bande-Dessinée est riche en symboles et métaphores.

 

Voilà les Dalton... On reconnaît ici la patte de Brok.

Regardez bien : tout y est, le révolver qui fume, les bottes et le jean, le chapeau !

Nous sommes sortis de la rue de la Glacière mais il fait toujours aussi froid...

L'entrée du parc Frédéric Jolliot-Curie

Mur de maison graffé par Nunca (peinture aérosol - 2011) pour dénoncer le passé industriel de Vitry.

Nunca, de son vrai nom Francisco Rodrigues da Silva, est un artiste brésilien. Son nom "Nunca" (qui signifie "jamais" en portugais) est l'affirmation de sa détermination à ne pas être lié par des contraintes culturelles ou psychologiques.

 

Noyé dans un océan d'alcools et de peintures aérosols, conforté dans la jouissance de bien matériels, l'indien indigène, racine de la culture brésilienne aujourd'hui pourtant marginalisé, a été rattrapé par la modernité.

Retour au parc Jolliot Curie

Un joli tableau que nous offre la nature, non ?

Buste de Frédéric Jolliot-Curie, prix Nobel de chimie en 1935 avec son épouse Irène Jolliot-Curie, qui donne son nom à ce parc.

Dans le patio d'une école maternelle, une sculpture de Richard Di Rosa.

Son monde est peuplé de personnages grotesques et bancales. La sculpture tourne le dos à la rue et semble regarder les premiers pas des enfants à l'école, telle une "maman-poule".

"La femme enceinte" (1995)

A Ivry, même les entrées de garage sont graffées.

Plusieurs graffitis presque superposés...

Drika Chagas est originaire de Belém au Brésil.

Elle signe ici un beau portrait de femme au cou tatoué, portant un curieux chapeau, et de nombreux colliers et lanières sur le buste.

Youri Romagnoli alias Hopnn (version écrite en cyrillique de son prénom, Youri) est italien contrairement à ce qu'on pourrait penser. Hopnn est le tag qui signe ses œuvres à ciel ouvert, notamment ces séries de bicyclettes répétées indéfiniment qui soulignent un de ses thèmes principaux : l’écologie (c'est un passionné de vélo).

"Vélo en famille" 

Quentin Chaudat, à gauche, graffe surtout sur Arcueil. A droite, un graff très coloré de Lalasaïdko

L’artiste de street-art Stew s'est emparé de l'image du colibri face à une fleur et l'a emportée sous la forme de pochoirs afin de la reproduire dans les rues de Rome et de Vitry. Il en fait de nombreuses interprétations numérotées.

Bebar et Skifo et Ander et Cokar...

 

Cette fresque intitulée "Love Coral" représente un cœur composé de fleurs et de corail. Créée en 2015 pour la sauvegarde du corail, elle est due au street artiste Louis Masai qui vit à Londres depuis 2010. Il a aussi sensibilisé l'opinion sur la sauvegarde des abeilles.

Et encore un autre graffeur... Il s'agirait d'un artiste japonais.

Tiens tiens, le capitaine Haddock qui illustre le code postal de la ville ! Les décors sont parfois minimalistes...

 

Coolest monkey in the jungle (Seny) 

Nous voici arrivés à l'église d'Ivry, l'un des rares monuments un peu anciens de la ville.

Cette fresque se présente sous la forme d’un écusson avec comme personnage central une licorne. Visiblement elle fait partie du club des mamans licornes du ghetto !

Difficile de comprendre l’allusion de l’artiste (Quentin Chaudat).

Un peu glauques, ces endroits et pourtant décorés...

Un quartier de grands immeubles dont les cimes sont encore dans le brouillard.

A Vitry, les immeubles, même les plus ordinaires, portent presque tous un graff.

Joli mais... inconnu

Ce caméléon est signé Vitry Art2Rue.

Encore Vitry Art2Rue même si on se croirait ici à la campagne.

Plutôt que de les jeter...

Ici, c'est Paris !

Une œuvre de Nychos

Illustrateur et figure emblématique du street art, l’artiste urbain Nychos est né en 1982 en Autriche. Il sévit sur les plus grands murs du monde depuis les années 2000, avec des fresques en taille XXL, peignant des œuvres fantastiques où l’anatomie et la chair occupent une place de choix.

Ici, la fresque est "soft"...

"Femme aux papillons" : une œuvre de Mantra (pour le visage) et Takt (pour le décor et le lettrage).

Youri Cansell, dit Mantra, est un artiste et naturaliste accompli peignant avec autant d'aisance personnages et animaux. Il est particulièrement fasciné par l’entomologie, le monde des insectes. Puisant dans les souvenirs d'enfance de son jardin en France, il peint actuellement de délicates fresques, composées le plus souvent de papillons de nuit et de jour, qu'il représente sur les espaces urbains, là où ces êtres éphémères sont rarement observés à l'état sauvage.

Né en 1978, Takt fait ses premiers pas dans le monde du graffiti vers 1992. En 1996 il entre en école d'architecture, tout en continuant son parcours calligraphique! Apres avoir fait ses armes seul, il rejoint les 3HC en 1998.

Deux fresques animalières de Vitry Art2Rue

Je n'ai pas réussi à identifier l'auteur de ces deux beaux coqs...

Pas plus que celui de ces jeunes noirs qui me font penser à des migrants...?

 

On trouve aussi parfois des "Petits poèmes Roses" écrits sur les murs qui ne manquent pas de véracité. 

Cette fresque est une collaboration (pour la partie droite) entre une artiste que je connais bien (Kashink) et un autre graffeur Izo (pour la partie gauche). Avez-vous remarqué la double paire d'yeux de l'homme aux cheveux bleus ?

Kashink a décoré avec l'aide des enfants de l'école maternelle voisine les murs de la rue Vandrezanne tout à côté de Générations 13 et pour info, c'est une artiste militante qui porte la moustache et se revendique de Frida Kahlo.

Il ne faut pas manquer les immenses guerriers Bantus peints par Kouka sur les côtés de ces grands immeubles.

Kouka Ntadi, de son nom complet, est un artiste franco-congolais qui vit à Paris, après avoir fait l’école des Beaux-Arts d’Avignon. Ces fresques ont été réalisées en 2014.

Décor pour une station service...

Ceci est un visage !
Les résidents de la maison de retraite voisine l'ont sous les yeux à longueur de journée : j'espère qu'on leur a demandé leur avis.

 

Dubuffet a décoré cette grande place centrale d'Ivry : la sculpture s'intitule "Chaufferie avec cheminée".

Dubuffet la décrit en ces termes : Flamme de résistance et de liberté, elle s'élance familièrement au devant de nous, en laissant affleurer, dans la contorsion de ses formes et de ses couleurs, la mémoire d'une espérance dont il nous faut anticiper les signes.

Elle fait face au Macval (Musée d'Art Contemporain du Val de Marne) où se termine notre promenade.

Cliquez ICI pour accéder au site internet du Macval.

 

Podomètre aidant, les 6 km sont comptés !

Un grand merci à Anne qui a magistralement conduit cette promenade en nous offrant cette matinée fort agréable.

Ce jeudi, Jacqueline nous a guidés depuis la gare de Bussy-Saint-Georges (rejointe au départ de Châtelet-Les Halles par le RER A) jusqu'à Torcy, en passant par le Parc de Rentilly : une randonnée d'une petite dizaine de kilomètres par un temps incertain mais sans pluie aucune.

Annie P. m'a gentiment envoyé ses photos qui, ajoutées au miennes, vous feront découvrir cette belle région de Seine-et-Marne sous les couleurs d'automne.

Un érable si je ne me trompe

 

On le prend ou pas... ?

D'accord, pas de pluie mais beaucoup de bouillasse ! C'est là que les bâtons trouvent leur utilité...

Arrivée à l'étang de la Loy

Nous ne sommes pas seuls sur place...

Annie a même pris cette photo d'une perruche que je n'avais pas vue...

En direction du Parc de Rentilly : une allée plus que majestueuse

Du château du XVIème siècle, il ne reste que cette entrée jouxtant la maison du gardien. Les piliers de la grille monumentale sont ornés de sculptures datant de 1702.

Ici, Ariane et Bacchus par Corneille Van Cleve (1645-1732).

A droite, Vertumne et Pomone par l'un des frères Coustou.

La nymphe des fruits, Pomone, est si belle que tous les dieux champêtres en sont amoureux, mais elle les dédaigne. Selon les Métamorphoses d'Ovide, le dieu des jardins, Vertumne, recourt à des déguisements pour l'approcher, et finalement la séduit sous son vrai visage.

Ce pavillon de style Louis XIII a été construit dans les années 1950. Il sert de logement au gardien du Parc.

Le parc est une réserve d'arbres séculaires tous plus beaux les uns que les autres. Annie B., notre spécialiste en arboriculture, nous explique que pour connaître l'âge d'un tel arbre, il faut en mesurer la circonférence et multiplier le chiffre par le facteur de croissance de l'arbre en question (un platane en l'occurrence). Mais on n'avait pas sous la main de mètre ruban, si tant est qu'il ait été assez long !

Sylvie donne l'échelle : tente-t-elle de prendre de l'énergie en tâtant le tronc ?

Petite causette entre copines

Des érables du Japon ?

Eh oui, c'est l'automne : les jardiniers ont beaucoup de travail !

Le clou de la balade

Toutes les couleurs d'automne sont réunies dans ce bosquet d'arbre.

On se sent tout petit face à cette nature démesurée...

Une œuvre d'art ? Non, une simple écorce de pin.

Cet épineux (un séquoia géant ?) a décidé de refaire racine à côté.

C'est sous ce petit kiosque que nous avons pris notre déjeuner : royal, non ? Il est entouré par les "communs" de l'ancien château.

Le château appartenait autrefois à la famille des chocolats Menier.

Il a été remplacé depuis 2005 par un centre d'art contemporain ultra moderne où la lumière joue habilement sur l'acier poli de sa structure en reflétant la pièce d'eau qui le jouxte.

Cliquez sur la photo pour la voir en grand.

Vue sur Bussy-Saint-Martin depuis le Parc de Rentilly

Quelle belle balade tu nous as offert, Jacqueline !

Un grand merci à toi